LA CORDILLERA

Después de que el fin de semana se le entregara el Premio Donosti a la directora Agnes Varda, hoy el segundo homenajeado por el Festival de San Sebastián, Ricardo Darin, ha recogido el suyo en una gala especial. Antes, sin embargo, ha tocado presentar a la prensa la película con la que participa en la Sección Oficial, “La cordillera” de Santiago Mitre (Paulina).

En las nevadas Montaña de Chile se lleva a cabo una cumbre que reúne a los máximos mandatarios de los países de Latinoamérica para negociar los términos de una alianza petrolera. La estrella de la reunión es el pomposo presidente de Brasil (Leonardo Franco), máximo promotor del acuerdo y el que sacará más beneficios. El que es una incógnita para todos es el presidente de Argentina, Hernán Blanco (Ricardo Darín), al que los medios de su propio país cuestionan su capacidad política. Cuando comienzan las reuniones también lo hacen los conflictos entre diferentes posturas y estrategias. Además, Blanco tendrá que hacer frente al inminente estallido de un escándalo promovido por su yerno y la inestabilidad emocional de su hija (Dolores Fonzi) a la que hace venir a Chile. En medio de todo ello le tocará tomar decisiones cruciales para marcar su perfil político y personal.

 

La cordillera

La cordillera” plantea una trama de thriller de juegos de poder que a priori tiene suficientes elementos en el potencial de la historia, los actores y el escenario para generar interés como tal. Pero por el camino también abre frentes de misterio, de análisis geopolítico, los dilemas humanos de un representante del pueblo y la confrontación de lo privado y lo público. Y con todo ello lo que comienza y avanza como una obra con tintes de Hitchcock termina abriendo facetas que luego no explora ni resuelve con bastante profundidad.

Al salir de la proyección de prensa alguien la definía como un buen piloto de serie y con esta sensación nos ha dejado también, de que lo visto en La cordillera era un buen punto de partida para algo que debería prolongarse más allá pero que se queda corto al ser sólo una película.

 

BORG/MCENROE

La final de Wimbledon de 1980 fue uno de esos partidos que pasaron a formar parte de la historia legendaria del tenis. La disputaron dos tenistas muy diferentes: Björn Borg (Sverrir Gudnason) y John McEnroe (Shia LaBeouf). El primero tenía fama de ser un hombre metódico, obsesionado con determinadas pautas para contribuir a hacerlo un gran jugador, y un hombre de hielo que nunca mostraba sus sentimientos sobre la pista. El segundo se había ganado las antipatías de prensa y público con sus constantes y airadas protestas en la pista sobre las decisiones de los árbitros. En aquella final de 1980, Borg optaba a conquistar Wimbledon por quinta vez consecutiva, y McEnroe aspiraba a ganar por primera vez y convertirse en el número 1 del tenis mundial.

 

Borg/McEnroe

En “Borg/McEnroe“, el danés Janus Metz utiliza aquella final como el punto al que se encarrila todo lo que nos muestra en la cinta a través de varios flashbacks. Y el resultado es una cinta que aunque uno sepa cómo terminó aquel partido acaba resultando emocionante, no sólo por la rivalidad deportiva sino también por el aspecto personal.

Borg/McEnroe“, aunque tiene los dos nombres en el título no es equilibrada al 50%, se centra más en el primero que en el segundo. Un hombre complejo del que iremos conociendo las decisiones y relaciones que le han llevado a ser como es. Tanto en él como en el caso de McEnroe, la cinta supone sobre todo un viaje de dos vidas que sabes que confluirán en un punto determinado y explora los demonios que tuvieron que afrontar y las decisiones personales que ambos tomaron en un momento crucial de sus vidas y que determinaría quién y cómo fueron de entonces en adelante.

 

WONDERSTRUCK

La última película de Todd Haynes pasó por la competición de Cannes sin llevarse premio, pero cautivó lo bastante a la crítica como para que se haya incluido en la sección de Perlas de Donosti. El film es la adaptación por parte del propio autor de la novela “Wonderstruck“, Brian Selznick. El mismo que en 2011 se adapató La invención de Hugo, con la que ésta mantiene algunos elementos en común.

Los protagonistas son un niño y una niña que en diferentes líneas temporales emprenden dos viajes de búsqueda. Ben (Oakes Fegley) ha perdido a su madre (Michelle Williams) en un accidente de coche y vive con su tía y dos primos. Nunca llegó a conocer a su padre y no sabe nada más de lo que él ha imaginado a lo largo de los años porque su madre nunca quiso hablarle de él. El día que un rayo le deje sordo, encontrará por fin una primera pista que le llevará a viajar hasta Nueva York para intentar encontrarlo. Por otra parte, la Rose (Millicent Simmonds) es una niña sorda que vive el final del cine mudo y la llegada del sonoro, admiradora de una de las estrellas de las películas (Julianne Moore) y que huye también a Nueva York en busca de emociones y una comprensión que no encuentra en casa.

Wonderstruck

Con “Wonderstruck“, Todd Haynes (Carol) vuelve a construir una muestra de su cine preciosista de cuidada estética, iluminación y música (a cargo de Carter Burwell). Con un montaje que alterna las realidades de los dos pequeños protagonistas (al principio en fragmentos demasiado breves y que hacen que cueste un poco entrar en las constantes alternancias de tiempo), establece un metafórico paralelismo entre las sorderas de los niños y el expresionismo del cine mudo.

El fragmento de Rose está rodado directamente en blanco y negro, como una película de aquellas épocas. Mientras que el de Ben se sitúa en un colorista Nueva York de los años 70. En los dos hay recursos que se aprovechan de dibujos, mapas y sueños para construir una fábula que empieza un poco confusa, deviene emotiva en la parte central y termina en un tramo final sobreexplicado y demasiado azucarado. Así, el filme de Haynes consigue notas altas en ternura con las aventuras de dos pequeños soñadores pero en conjunto el edulcoramiento de todo ello se le acaba pasando de frenada, en una cinta donde todo resulta un poco demasiado forzadamente “quebonito”.

 

MARROWBONE

Y de la ternura al terror. La cinta que cerraba hoy las participaciones en la sección oficial (aunque fuera de concurso) era “El secreto de Marrowbone“, una película de un género que no suele tener mucha presencia en las selecciones de los grandes festivales de cine. Supone el primer largometraje del asturiano Sergio G. Sánchez, quien fue el guionista de “Lo imposible” o “El orfanato“, y venía avalada por la producción de J.A. Bayona.

Marrowbone empieza con la llegada a una apartada casa de una madre y sus cuatro hijos. Huyen de un mal que conoceremos más adelante e intentan rehacer sus vidas. Durante el verano, los chicos conocen a otra chica del pueblo, Allie (Anya Taylor-Joy), y parecen por fin encontrar la feliciadad. Pero pronto la madre cae enferma y antes de morir le hará prometer al hijo mayor, Jack (George MacKay), que cuidará del resto, Billy (Charlie Heaton), Jane (Mia Goth) y el pequeño Sam (Matthew Stagg), ocultándoles en la casa hasta que él cumpla los 21 años y pueda convertirse en su tutor legal. Durante los meses que quedan hasta el cumpleaños, tendrán que hacer frente a una maligna presencia que amenaza sus vidas.

Marrowbone

Marrowbone es la enésima cinta de terror con casa destartalada y funesta. Y desgraciadamente en el pase de prensa ha sido recibida por parte de la crítica con risas en determinados momentos. Personalmente no creo que haya para tanto. Aunque es cierto que la película picotea un poco de aquí y de allí en cosas que ya hemos visto muchas veces en otros films de temática similar, y que la resolución final se podría haber enfocado de otra manera, a lo largo de su metraje consigue mantener bastante dignamente la atmósfera de terror psicológico. En todo caso, el público tendrá la última palabra en su próximo estreno en salas.

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